「Untamed beauty -원생 풍경-」

nca | nichido contemporary art는 위 아티스트들의 그룹전 『Untamed beauty 원생 풍경』을 개최합니다. 본 전시는 기존의 전통적인 개념과는 선을 긋는 '미'의 개념을 탐구하는 것입니다. 아티스트 중에는 우리가 평소에 보는 풍경 속에 존재하는 숨겨진 아름다움에 초점을 맞추는 이도 있고, 혼돈 속에서 색채와 형태의 조화를 만들어내는 이도 있습니다. 표현 방법과 접근 방식은 다양하지만, 모든 작품은 대상 자체의 본질에 의한 것이든, 그 배경에 있는 개념에 의한 것이든, 원생의 아름다움을 생생하게 그려내며 자연의 불규칙함과 소박함 속에 아름다움이 있음을 우리에게 보여줍니다. 설치, 회화, 조각, 사진, 영상 등 폭넓은 미디어를 활용하는 올라퍼 엘리아손은 예술, 과학, 자연 현상을 융합하여 지각과 환경 의식을 탐구하는 다양하고 몰입감 있는 작품으로 알려져 있습니다. 본 작품은 대조적인 두 계절의 아이슬란드 풍경을 그리고 있습니다. 자세히 보아야 비로소 그 풍경이 완벽하게 같은 앵글에서 촬영된 것임을 알 수 있습니다. 아이슬란드의 거칠고 손대지 않은 자연은 빛, 물, 얼음과 같은 자연 요소에 대한 그의 강한 관심을 불러일으킵니다. 이는 갤러리나 미술관이라는 통제된 환경 속에서 자연 현상을 재현하거나 모방하는 경우가 많은 그의 설치 작품들에서 두드러지게 나타납니다. 본 전시에서 소개하는 제프 가운트의 작품은 아티스트 경력 초기에 제작된 작품 시리즈입니다. 당시 그의 작품은 그 자신의 말을 빌리자면, 휴스턴 교외에서 자란 것에 대한 복잡한 감정이 반영된 '봉인된 미니어처 풍경'을 그렸습니다. 작은 나무들과 풍경은 용기의 형태에 맞춰져 뿌리나 덩굴, 가지가 다양한 방향으로 뻗어 있습니다. 때로는 사랑스럽고 순진한 표정을 보이면서도, 인물 대신 무표정한 새나 물고기가 그려진 가운트의 작품에는 공허감이나 포스트휴먼적인 감각이 전달되는 듯합니다. 엘렌 쿠이의 작품은 네덜란드 황금 시대의 도시 풍경 화가들의 전통을 이어받아 풍경과 인물을 융합시킨 연극적인 이미지를 생생하게 그려냅니다. 유럽을 대표하는 현대 풍경 사진작가 중 한 명인 쿠이는 우리에게 환상과 현실의 경계를 탐구하도록 촉구합니다. 언뜻 보면 이 풍경의 파노라마에 그려진 사람들은 주변 환경에 휘둘리는 것처럼 보입니다. 그러나 주의 깊게 관찰하면 풍경이 거주자들에게 반응하는 것처럼 더욱 복잡한 관계성이 드러납니다. 우리가 보는 자연의 광경은 이 사람들의 내면 감정을 상징적으로 비춘 것입니다. 19세기 심리 초상화에 필적하는 수법으로 쿠이는 풍경이 가진 야성적인 아름다움을 최대한 활용하여 신화나 우연한 만남, 그리고 외부 세계와의 관계를 이야기하려 합니다. 자연이 풍부한 오이타현으로의 이주는 모리시타 아카네의 작가 활동에 전환점을 가져왔습니다. 유화 물감은 그녀에게 결코 자연스러운 소재로 느껴지지 않았고, 적절한 접근 방식이라고도 생각되지 않았습니다. 모리시타는 그것들을 포기하고 흙을 모아 정제하여 안료로 만들고, 프레스코 기법을 응용한 제작을 하게 되었습니다. 삼베 섬유와 소석회를 섞어 만든 회반죽에 우물물에 녹인 흙을 덧바르는 방식입니다. 그 지지체로는 지역 공장에서 폐기된 목재 자투리로 나무틀과 액자를 만들고, 삼베를 캔버스 대용으로 재활용하고 있습니다. 모리시타의 작품 표현은 그 순간의 주변 환경, 그 질감과 감촉을 포착한 일종의 스냅샷이 됩니다. 현대 사회와 자연 환경 사이에 있는 거대한 간극을 메우려 시도하고, 또한 자연의 거친 힘을 길들이지 않는 방법을 모색하면서 자연과의 재연결을 시도하고 있습니다. 마리아 네포무세노는 브라질 전통 공예 기법에서 영감을 얻어 독자적인 제작 과정을 확립했습니다. 그녀는 밧줄 엮기, 구슬, 독창적인 도자기 조형, 그리고 주워 모은 오브제를 사용하여 유기적인 조각 및 설치 작품을 제작하고 있습니다. 선명하고 풍부한 색채가 리우 카니발의 유쾌한 분위기를 불러일으키는 네포무세노의 작품은 브라질의 문화와 전통, 풍경, 동물 등 미시적인 것부터 거시적인 것까지 다채로운 요소를 구현합니다. 유동적이고 유기적인 형태는 주변 공간으로 자유롭게 퍼져나가 때로는 만져보고 싶은 욕구를 자극합니다. 또한 네포무세노는 다양한 브라질 원주민 지역 커뮤니티와 교류할 기회를 제공한 여러 현장 연구 프로젝트에도 참여하고 있습니다. 사카모토 가즈야는 식물의 생태계와 인간 사회 사이에 공통점이 있다는 것을 깨달은 이후 식물을 제작의 주요 테마로 삼고 있습니다. 개화 후 씨앗을 남겨 생명 주기를 이어가는 꽃과는 달리, 수초는 증식에 의해 빠르게 성장합니다. 식물을 기르고 관찰하면서 사카모토는 자신의 작품에서 인간 생명의 우연성과 필연성, 인간과 자연의 관계를 계속 탐구합니다. 사카모토가 그리는 꽃들은 아티스트의 즉흥적인 신체적 행위의 결과이거나, 제작 과정에서 수반되는 우연성을 의도적으로 받아들이면서 층을 쌓아 정교하게 구축된 것처럼 보입니다. 그럼에도 불구하고 그것들은 생명의 덧없는 운명, 생존 전략, 그리고 강인함을 상징하며, 각자가 자신의 존재를 주장하면서도 완벽한 조화 속에서 공존합니다. 양규송(요우 케이소우)이 도자기로 만든 풀 작품들은 갈라진 아스팔트나 포석 사이에서 자유분방하게, 손대지 않은 채 뻗어 나가는 예측 불가능하고 불가사의한 생명 그 자체를 비추는 듯합니다. 혹독하고 어려운 환경에서도 풀은 계속 성장하며 생기 있고 아름답게 숨 쉬고 있습니다. 요우는 자신의 작품을 통해 살아가는 행위를 때로는 우리가 더 이상 통제할 수 없는 섬세한 것으로 파악합니다. 혈액, 나아가 생명을 상징하는 붉은색을 기조로 한 심장이나 뇌 모양의 기존 도예 작품과, 뿌리가 혈관과 같은 역할을 하는 녹색 잡초를 모티프로 한 최근 도예 작품 사이에 유사성을 발견합니다. 녹색은 붉은색의 보색으로서 붉은색을 대체하며, 요우의 작품은 우리에게 친근감과 안락함을 선사하고 인생의 예측 불가능성과 우연성을 받아들이도록 촉구하는 듯합니다.